音乐大单元教学理念？

一、音乐大单元教学理念？

1. 目标明确：每个音乐大单元都应该有明确的学习目标。学生需要了解每个学习目标的意义和目的，以获得更高效的学习体验。

2. 系统性强：音乐大单元包括完整的概念和技能，可以涵盖多个子主题和内容，以此提供全面而深入的学习体验。

3. 吸引力和趣味性：音乐大单元需要创造有趣和富有吸引力的学习体验，以帮助学生建立对音乐的浓厚兴趣，从而增强他们的学习能力。

4. 个性化：音乐大单元教学不应是一种固定不变的标准模式，而应当根据学生的个人理解和发展来进行做出调整和定制。

5. 综合性：音乐大单元应该涵盖多层面的学习内容，包括语言、艺术、历史、文化、多媒体技能、社会认知等方面内容。

总的来说，音乐大单元教学可以帮助教师和学生打破传统学科界限，创造全新的学习体系，以提供全面而深入的学习体验，促进学生的学习兴趣和能力的提高。

二、小学音乐大单元教学理念？

小学音乐教学大单元教学理念应该包含以下几个方面：

1. 体验式教学：小学生对于音乐的理解和感受都是通过体验来形成的。因此，在教学时，应该采取体验式的方法，让学生亲身参与、发现和感受音乐。

2. 视听教学：视觉和听觉是小学生最敏感和最容易接受的两种感官。在音乐教学中，应该采用视听结合的方式，利用多媒体设备和音乐教具，以直观、生动的形式教授音乐知识和技能。

3. 综合素质教育：小学音乐教育应该注重培养学生的音乐素养，同时也要注重培养学生的综合素质。音乐教学应该与其他学科的教学结合起来，促进学生的全面发展。

4. 创新教学：小学音乐教学应该注重创新，根据学生的特点和需求，不断尝试新的教学方法和形式，以激发学生的学习兴趣和积极性。

5. 差异化教学：小学生的音乐水平和能力存在差异，因此，在教学中应该采取差异化教学策略，针对学生的个性、优势和不足，进行个性化和因材施教的教学。

三、什么是小学音乐大单元整合教学？

小学音乐大单元教学设计是以教材为基础，用系统论的方法对教材中“具有某种内在关联性”的内容进行分析、重组、整合并形成相对完整的教学单元，在教学整体观的指导下将教学诸要素有序规划，以优化教学效果为目的的教学设计。

四、音乐入门教学？

我建议普通人想自学音乐的话，从吉他弹唱开始比较好。

不管是专业学习还是普通学习，每一个学习者都最好能学习两种乐器：

第1种是旋律乐器，就是主要负责演奏旋律的乐器，这种乐器一般不能单独给别人伴奏，比如二胡、笛子、小提琴。

当然，人的嗓音也是，所以唱歌也算旋律乐器。

第2种是综合能力比较强的和声乐器，以钢琴和吉他为主要代表。

所以学吉他弹唱就可以两种乐器都齐全了。

下面说一下不推荐钢琴的理由：

由于钢琴使用五线谱，使用固定唱名，对普通人来说，学起来相对有点机械，不能尽早形成首调概念和级数思维，而且很多钢琴教材也喜欢按部就班，花大量的时间，关注手指的姿势，关注具体的一只曲子，而不是教音乐思维，可能无意间，以打基础的名义，延缓了获得真知的时间，对普通人来说，可能负担过重，绕路太远。

而且钢琴比较贵重，一般很难下定决心，决策压力大。

相比之下，吉他就要亲民得多，灵活得多。

但是记住，一定不要只学六线谱，那样也是学不到真本事的，也不要只学古典曲的五线谱，虽然中国人感觉五线谱比较高大上，但是同样，它容易变得机械化，学了很多年的人，可能只是一个演奏机器罢了，别人问他一些问题，他可能还是一问三不知。

学吉他一定要学简谱，然后学习用简谱表述的和声知识，这样可以比较快形成首调概念和级数思维，慢慢对和弦色彩和走向形成感觉，这样对练耳有很大的帮助。

然后学习常用的和声“套路”，对曲子进行大致的和声分析，慢慢尝试一般的创作，这样才能去掉神秘感，看到音乐的本质。

普通人学音乐，千万不要迷信高大上的五线谱，但是一定要重视简谱，通过简谱学习乐理和和声知识，通过简谱，了解音乐的核心内容，记住这两个重要的词：首调思维，级数思维。

最终，所有的谱，对于音乐人来说，并不是非要不可的，普通人可能不知道，一个音乐人从有灵感到作品制作发行，整个过程，他是不需要弄一张谱摆在面前给自己看的，因为音乐已经在他的心中，从来都是听说音乐人发歌了，没有听说过发谱的，所以一般都是等歌发出来之后，其它各种蹭热点的人，去听写出谱来，发到网上，水平一般都参差不齐。

而要做到真正的掌握音乐，做到心中有谱，我建议最好的方式就是学习吉他弹唱，学简谱。

以上个人意见，仅供参考。

五、音乐教学类著作？

您好！就个人所知的内容，音乐教学类的著作大致有:

①曲致政：《新乐理教程》上海音乐出版社。

②湖南文艺出版社《怎样识简谱》\《怎样识五线谱》

③《音乐教与学350问》

④《视唱练耳教程》

⑤《声乐教程》等等。

当然，其实也还有各种乐器演奏的教程，音乐史，作曲理论等等，很抱歉由于知识范围有限，只能帮你这么多了。

六、音乐教学方法？

唱歌教学法

唱歌的基本技能包括姿势、呼吸、发声和咬字吐字4个方面。姿势方面要求精神饱满、身体端正，口型正确、自然而不紧张。呼吸方面要求平稳、自然，呼吸练习一般可与发声练习结合进行。发声方面要求圆润、甜美。对于小学低年级儿童和幼儿可运用模声教学，以引起学习兴趣。咬字吐字方面要求正确、清楚。在新歌教学程序上，应包括导入新课、范唱、简短介绍、学习歌词和旋律，对歌曲进行分析和复习、巩固等几个教学步骤。在唱法方面：对低、幼儿童使用听唱法，小学中年级以上逐渐完全使用视唱法。对中学生应特别注意变声期嗓音的保护，还应注意音域，定调要适当。

七、音乐发烧入门教学？

朋友，如果你喜欢音乐，那你就要从音响上开始入手，多听那些好的音响好的音乐。还可以通过各种途径学习音响知识（杂志、网站等）逐步入门，最后你也能成为一个音乐发烧友的。

八、音乐教学的过程？

回答学音乐的步骤依次为：乐理、视唱练耳、和声、曲式、复调、演唱、配器、歌曲作曲等。学音乐可以选择的专业有：音乐学专业、作曲与作曲技术理论专业、音乐表演专业（声乐、器乐）、音乐教育专业、艺术管理专业、音乐治疗专业、戏剧音乐专业等。

一、学音乐步骤

1、学习乐理。通常包括相对简单的基础理论，如读谱、音程、和弦、节奏、节拍等。乐理主要包括音的高低、音的强弱、音的长短和音色，其中以音的高低和长短最为重要，音的高低决定于物体在一定时间的振动次数（频率）。音色是指音的感觉特性，是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。音的高低、强弱、长短、音色在音乐表现中非常重要。

2、学习视唱练耳。通常包括听觉训练、听写和视唱三部分，学习步骤可以分为音阶练习、音程的模唱与构唱、和弦连接练习、二声部的视唱练习等。视唱练耳能够发展音乐听觉，增强音乐记忆力，培养正确的音准和节奏感，获得熟练的读谱技能及丰富的音乐语汇。

3、学习和声。和声是两个或两个以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合，包含了和弦与和声进行。和弦是和声的基本素材，由3个或3个以上不同的音，根据三度叠置或其他方法同时结合构成。和声进行是指各和弦的先后连接。和声有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用，有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用。

4、学习曲式。曲式是乐曲的结构形式，在发展的过程中形成了各种段落，在这些段落所形成的规律性中，可以找出的具有共性的格式便是曲式。一首乐曲仅由一个乐段构成的称“一部曲式”，一般由两个各有四小节（或八小节）的乐句组成的"乐段"（专称为"方整性的乐段"）在器乐曲中最为常见。

5、学习复调。复调是两段或两段以上同时进行、相关但又有区别的声部所组成。这些声部各自独立，但又和谐地统一为一个整体，彼此形成和声关系，以对位法为主要创作技法，同一旋律隔开一定时间的先后模仿称为模仿复调，不同旋律的同时结合叫做对比复调。 复调音乐的体裁有卡农、创意曲、赋格、经文歌、复调尚松、坎佐纳等。

6、学习演唱。正确的演唱方式是身体自然直立，保持自然放松，头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两臂自然垂落，两肩略下后一点，小腹收缩，两脚一前一后稍分开，重量落在双脚上，面部，眼神要自然生动，嘴巴应当张得开，放得松，切记紧咬牙关，歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。

7、学习配器。配器是给一段旋律配上各种乐器，使之形成多声部的音乐。在分配乐器之前一般“主要声部”或“结构因素”就已经基本确立（注意措辞，是“基本确立”）。配器是作曲法的组成部分之一，需要学习的内容要点为各类乐器性能极其演奏法、乐曲原音响统一效果、各类乐器的音色对比与配合效果，配器还常用于现成乐曲配器，如将钢琴曲、重奏曲等改编为的管弦乐曲。

8、学习作曲。作曲是创作音乐的行为，或音乐的创作过程，需要运用基本乐理、复调、和声学、配器法、曲式结构的技术理论体系来表达创作者音乐思想的方法。曲式有很多种，无论是古典的还是现代的创新之作，都会包含对比、变奏、重复三个原则，音乐的进行、冲突和情绪的改变都来自于对比，如弦乐与木管、强与弱、快与慢、大调与小调等；变奏手法是将一个音乐材料在保留某些特征的情况下进行变化，比较简单的变奏是基本保持主题的旋律轮廓、节奏型甚至和声，只是添加一些小小的装饰；重复是指音乐材料的再次出现，为了让听者对音乐素材留下深刻印象，重复或者带有变化的重复就是必须的手段。

九、音乐教学设计含义？

教学设计是一节课教学方案，含教学环节和讲解的知识，及应采用的教学手段，方法。

十、20世纪三大音乐教学法？

一、达尔克罗兹音乐教育

　　其特色是体态律动教学。它要求学生把身体作为乐器，把听到的音乐再现出来。体态律动不同于舞蹈，它是以身体作为乐器，通过身体动作，体验音乐节奏的速度、力度、时值变化，体态律动的动作一般分为原地动作和空间动作两类。原地动作包括;拍手、指挥、摇摆、弯腰、说话、歌唱等;空间动作包括;走、跑、爬、蹦、跳、滑等。这些动作可以和身体的高、中、低位置结合，也可以用身体的头、身、臂、手、脚等各个部位，与歌声的动作、体感、表演等相互配合，以表示不同的节奏、旋律、和声、复调、曲式等。

　　它以游戏为课程方式，发现个别学生松懈、涣散时，会立即变换，永远处于新鲜状态。

　　二、柯达伊音乐教育

　　其特色是以歌唱教学为主，从简单的单声部旋律到轮唱、合唱等歌唱形式，都是以清唱的方式来实施教学，而且不依赖任何乐器的伴奏。

　　声音是听觉的艺术，它没有视觉的形象，柯达伊教学法中有一套非常实用的手势，可以让孩子通过视觉形象来感受音高的概念。

　　这组手势其实是英国人约翰·柯尔文首创的，柯达伊把它借鉴到自己的音乐教育体系中来，并发扬光大。

　　儿童不但能在「唱」当中学会呼吸、歌唱的技巧，更重要的是各种音乐的知识和常识也能通过「唱」的方式来学习。

　　三、奥尔夫音乐教育

　　奥尔夫倡导元素性的音乐思想，他指出：学生在学习中必须动脑、动手、动脚，全身心地感受和表现音乐。于是他发明了一套“元素性”的奥尔夫乐器，是一组很容易掌握的打击乐器。同时，他还充分运用人体各部位可能发出的声音参与演奏，并冠以“人体乐器”的美称。

　　学生在课堂上在教师的引导下作音乐性的“动”，必然沉浸在一种游戏般的欢快之中，他们在不知不觉中就会接受到音高、节奏、听辨、协调统一等等综合音乐能力的训练。

　　奥尔夫音乐的最大特点是关注对孩子内心世界的开发，在这样的学习中，孩子不会把学音乐当成一种负担或功利，而会全身心地投入到音乐世界中来，用他们肢体、语言、乐器自由地演绎，以独特的方式抒发内心世界。当音乐成为孩子自身的需求，孩子对乐理、乐感、表演、演奏以及语言文化的掌握自然轻松快速，而且根深蒂固。

　　奥尔夫音乐给孩子发展个性提供了无限的空间，也在集体表演中让孩子懂得了集体意识与合作精神。

　　三种教学法既可以各自成一体系，也可以互相结合来运用。三者都会极大的激发孩子身体中本能的音乐属性，从而让每个孩子都能够更好地体验、感受和表现音乐。